走入路易威登的藝術殿堂

路易威登基金會首展特別報導

文．攝影│黃九蓁

本文收錄於«典藏读天下‧今艺术十一月號»

2014年可謂路易威登的榮耀之年，10月1日，在巴黎時裝週的最後一天，路易威登舉辦2015的春夏時裝秀，展現了70年代風格的復古簡約新作，同時為尚未開放的路易威登基金會揭開神秘的面紗。富有科技感的秀場設計與太空船式的建築巧妙地搭配，一如既往地引起眾多討論。基金會隨後於10月17日所舉辦的正式開幕記者會，更使我們得以先睹為快這個眾所期盼的巴黎新地標。

LVMH集團不愧為時尚界龍頭，不論在各方面總能引起風潮。董事長伯纳德·阿诺特(Bernard Arnault)在造訪西班牙畢爾包古根漢美術館（Museo Guggenheim Bilbao）後，當下即認定這位曾獲普立茲克獎的建築大師法蘭克．蓋瑞（Frank Gehry）為基金會的建築師首選。雖法蘭克．蓋瑞的爭議性亦引起了高度關注，同時引來居民與自然保護協會的抗議，但當這座巨大玻璃飛船完工後，各界報導無不以驚艷二字形容此傑作。基金會的開幕首展更以法蘭克．蓋瑞（Frank Gehry）的建築設計為主軸，同時展出十多位基金會所收藏的藝術家代表作品，為觀眾展現路易威登的品味風貌。

對多數法國人而言，擁有個巴黎的''Bilbao''似乎比什麼都來得重要。挑高46尺，佔地1萬1700平方公尺的碩大展演空間，曾被法國媒體形容如同玻璃雲彩一般。實際上，雖然比起巴拿馬文化博物館「Biomuseo」或畢爾包古根漢美術館較為優雅收斂，一種潛在而奔放的暴力感卻仍舊存在路易威登基金會的建築中。若以解構主義建築斷定法蘭克．蓋瑞的作品或許不慎合適，雖然建築師在訪談中不斷提及自己追求自由的感覺，早期像諾頓之屋（Norton House）的拼貼的趣味感已在這次的作品消失殆盡。解構、解構，說的是一種與現代主義對抗的變位與不可預測性。1979年的自宅（Gehry Residence）透過切除、迴轉與歪斜的結構成就解構建築的原型。然而在路易威登基金會上，斷面歪斜等元素仍舊存在，卻因著數位曲線感的自行蔓延堆疊反而稍微失去了雲彩般的流動感，硬化如同昆蟲的薄殼。法蘭克．蓋瑞的早期作品在城市與周遭的環境紋理中尋求呼應，後期的大型作品因一方面大多建在公園綠地涵構問題減少，二方面也由於對於雕塑造型的追求，先注重外型再配置內部空間而失去了原本的對話性。當然，不論是從造型的表現張力來看，還是內部空間的複雜性來說，法蘭克．蓋瑞（Frank Gehry）的路易威登基金會仍極具代表性與特殊性。

作為基金會的主角，一樓展廳自然獻給了法蘭克．蓋瑞（Frank Gehry），選用建築師自2002年至2014年的路易威登基金會建築方案舉辦專題展覽。從發想草圖乃至定案的模型，同時搭配建築師的概念進程，實為精彩。作為將數位圖像與真實材質實際搭配嘗試而實現的先驅，法蘭克．蓋瑞以整個基金會的設計體現了非典型建築（non-standard architecture）的概念，而觀者亦將跟隨團隊所製造的大模型，沉浸在建築師創造的計畫之中。有意思的是，為了搭配路易威登基金會十月底的開幕，蓬皮杜中心亦於該月初舉辦法蘭克．蓋瑞的首次歐洲回顧展，以此呼應這個巴黎最新地標的創建！

路易威登基金會的藝術總監蘇珊．帕傑（Suzanne Pagé）以〝開啟〞作為展覽的定調，意圖展現基金會整體建築的調性，並邀請諸位藝術家合作，特別針對此館的創建而進行創作。例如，埃爾斯沃斯·凱利(Ellsworth Kelly)便為會議室設計彩色大型裝置與五彩牆面Spectrum VIII ; 奥拉維爾•埃利亞松（Olafur Eliasson）則運用垂直色彩、幾何圖形與鏡面反射原理，為基金會水庭院空間製作以橘黃色光與多層斜面玻璃共調出的«內部的地平線» （Inside the horizon）。觀者走入其中如同穿越萬花筒鏡般，在水中、鏡中與建築的多層角度的衍射中尋找自我遊戲的影像。而在一號展廳中，展出的則是在電影、繪畫領域中，以複雜抽象性聞名的莎拉·莫里斯（Sarah Morris）之作 ─ «奇妙的魔法» （Strange Magic），其可說是一部拍攝法蘭克．蓋瑞建構路易威登基金會過程的紀錄片，而影片對於建築的細節、顏色與材質的高度掌控，使得整體呈現出一種與眾不同的詩意。蘇珊．帕傑（Suzanne Page）同時邀請了塔林·西蒙（Taryn Simon）這位偉大的女性攝影師，以溫柔卻冷峻的人類學觀察方式搜尋意象並搭配文本，整齊地裝配在玻璃畫框之中，用其特有的敘事手法做出對於基金會的詮釋。

除了法蘭克．蓋瑞的設計與藝術計畫之外，此次基金會的成立，最令人翹首盼望的乃是終於有機會一窺伯纳德·阿诺特(Bernard Arnault)的私人收藏與藝術品位。由於身兼董事長與藝術總監的蘇珊．帕傑（Suzanne Pagé）向來低調，因此LVMH集團的收藏在各界眼中一直帶有神秘的色彩。策展人表示，此次的收藏展不限歷史不限背景，全然開放地選擇以能讓總裁伯纳德·阿诺特(Bernard Arnault)找尋確認感與歸屬感的作品，期望它們在沒有評判下熱烈地自我震盪反響與對話。路易威登收藏展計畫分三期展出，第一期從開展至2014年11月24日，二期於十二月開展，第三期則將於明年三月底繼續。下文將繼續針對第一期展覽作詳盡報導。

德國當代繪畫藝術教父格哈德-里希特(Gerhard Richter)當仁不讓地作為第一期展覽的主打藝術家。自1960年代開始，他的抽象畫、「照片繪畫」（photo-based painting）、「色卡」（color chart）、「灰色繪畫」（gray painting），浪漫崇高的主題加上帶有反諷的距離感，格哈德-里希特在各方面展開繪畫的多樣性。基金會本次即展出其著名的照片繪畫，1963年所創作的 «鹿» （Hirsch）便為此素材中最具獨特性的作品之一。此作乃根據一張藝術家於過去所拍攝的照片所繪，畫中的公鹿置身於森林之中，象徵了德國浪漫主義的原始狀態與北方傳說，里希特使用了寬大的筆刷斷面擦去部分畫面，藉此確立了影像的存在，卻同時使其脫離了一個無法穿越的空間。僅有明確繪製的樹木與鹿角的管狀與曲線輪廓存在，將公鹿困於冬天的霧氣中。而於前文提過，本次為基金會會議廳設計五彩牆面的歐普藝術與極簡藝術大師埃尔斯沃斯·凯利(Ellsworth Kelly)，當然也是阿諾特的收藏最愛。此嵌板式系列作品使用畫布與影子的縫隙做出拼貼層次之效果，為藝術家著名的「繪畫浮雕」，白底上重疊單色畫，以時而輕、時而重的幾何色調營造視覺上不穩定的微妙感。

2010年的紀念碑大展（Monumenta）之邀展藝術家克里司汀•波東斯基(Christian Boltanski)，其於2005年所製作的影片«九月六號» (6 septembre)，乃取用1944年至2004年收藏於法國國立視聽研究院的各種重要歷史視頻檔案（如越戰）、名人訪談（如戴高樂、蓬皮度總統）、演奏會、甚至一些不知名的檔案，以剪接集合並快速播放的方式，產生混淆難辨的畫面，呈現你我對於世界歷史的認知。

若以為路易威登基金會僅收藏「高價」藝術家，皮耶.雨格（Pierre Huyghe）的作品即可讓我們真正認識阿諾特的品味。1962年出生的皮耶.雨格（Pierre Huyghe）可謂現今法國中生代中最具國際性的藝術家之一，但以拍賣市場的行情價來說，他的作品可以說是非常小眾。不知是否有意和去年年底在蓬皮杜中心所舉辦的個展相呼應，基金會展出的作品《不曾存在的旅行A Journey That Wasn't》乃是他在2005年的拍攝計畫，藝術家本人遠航南極，踏尋稀有的白色企鵝，七位藝術家和十位機組人員，在那裡成立一個遠征研究站，著手進行一篇篇對於「未知」的探索故事，無論是計畫本身或拍攝手法皆充滿了一種烏托邦的詩意性。如同藝術家本人表示 :「我對於單純紀實或者是建構一個虛構空間沒有興趣。對我來說真正有趣的，是去真正的塑造出一個現實，只有當這樣的現實被產出後，我才要去想該怎麼去紀錄這樣的事情。」雨格的錄像作品展現一種虛無卻實際的美感，帶著黑暗而略帶憂鬱的殘酷特質，建構出一個不再以人為中心的世界。

除了上述的幾位藝術家之外，同期展出的尚有托馬斯·舒特（Thomas Schütte）、貝爾特郎－拉维耶（Bertrand Lavier）、詩人約翰·吉奧諾（John Giorno）等等幾位著名的當代藝術家。透過帕傑女士的策劃，我們終於能夠一次性的從各角度上欣賞LVMH集團對於美好藝術與文化情感傳遞的觀點。當然，這個乘風而降的巨大飛船，是否能夠除去品牌所加諸的商業性，成為巴黎新興的知識分子的思辨空間，且讓我們拭目以待。

物的身分.零的焦點：法國凡爾賽宮李禹煥(Lee Ufan)個展

物的身分.零的焦點
法國凡爾賽宮李禹煥(Lee Ufan)個展

文．攝影│黃九蓁

本文收錄於：«典藏读天下‧今艺术 2014年十月號»

「人類精神與自然物共存與相對的狀態之中。物質既不同化於精神、精神也不從屬於物質。物質以他的自然狀態顯露出他的特性時，是表現的開始......精神若要達到一個至高的境界，也就是將物質導入高層次的精神的場域。」

---1956年日本《具體美術宣言》

一言以蔽之：「一如往常地精彩！」2008年的杰夫.昆斯(Jeff Koons)、2009年的格扎維埃.韋揚(Xavier Veilhan)、2010年的村上隆(Takashi Murakami)… 乃至2013年朱塞佩.佩諾尼(Giuseppe Penone)以及今年韓國藝術家李禹焕(Lee Ufan)，凡爾賽宮近年來參展的當代藝術家，藉由他們的大型裝置作品讓這舊時華貴集權的歐洲政治重心一改為全面開放的對話場所。

李禹焕(Lee Ufan)，現年78歲，雖為韓國藝術家卻長年旅居日本、歐洲進行創作。身為物派藝術（Mono-Ha）身價最高的藝術家，至今已有七件價值百萬的拍賣作品。2011年六月，紐約古根漢展出其首次回顧展「創造無限」（Marking Infinity），讓李禹焕搖身成為國際當代藝術市場的寵兒。此次受邀凡爾賽的展覽，與多位前輩參展人選擇以反差、衝撞的方式，李禹焕帶來的則是無限自然的對應，巧妙地為這宮殿氣勢磅薄，布局嚴密的園林添創一自由的幾何維度。

‟不更動 ”可說是其創作中心理念，李禹焕經常使用不經加工的自然及工業物件呈現其自然生成之因與如何生存之貌。1970年代以降的物派回應了歐美的各派理論，如貧窮藝術（Arte Povera）、表面支架（Supports-Surfaces）、地景藝術（Land Art）抑或極簡主義（Minimalism）等等，融合東西方的哲思在日本展開系列的推演。1969年，李禹焕開始發表對於二元論與現代主義的質疑，主張脫離理性與主客體分離的概念，重視自然原本型態的哲思。在這過程之中，關注的不是物件本身，而是‟物”與其他時空的對應狀態共同衍生出的開放世界。也因此，藝術家並非製作物件，而是‟擺置”物件，並藉此建立關連性，強調自我的重置。

觀看本次展覽，我們不難發現其欲與爾賽宮嚴謹華麗的形象抗衡的想法。矗立於凡爾賽宮正殿前方，«關係項—凡爾賽拱門» （Relatum - L'arche de Versailles）是一片以三尺寬、十二尺高的鋼板打造的拱門，兩側則以巨石相抵，將宮殿納入其中，地片更鋪有如紅毯般的十五尺長鋼板，穿越拱門之時宛如集權輝煌通過凱旋門走向無盡自然的磅礡氣勢。「我總想做一個拱形的作品，好比一個立在大陸上的彩虹，讓人們從底下走過。又或者讓星星墜落到一處，彷彿低聲細語的沙漠之景。這些長久以來的夢境能在歷史悠久、風景如畫的凡爾賽宮實現，讓我欣喜若狂。」藝術家如是說。回顧其所使用的元素，分別代表自然與工業的石頭及鋼，這兩個物件如同文明的進程一般，僅僅藉由連接的力量，便喚醒人類對於加工文明的思考。

企圖理解物質經由對話所詮釋出的身分是一件有意思的事情。凡爾賽宮在藝術史上定位於法國封建專制時期之古典主義思想的成就，百年來的歐洲皇家園林皆有其設計概念之蹤影。李禹焕回應了其背後的歷史與人造的力量，創作出«關係項，墳墓—向安德烈.勒諾特致敬»（Relatum, La Tombe- hommage à André Le Nôtre）作品一件。藝術家在地上挖個方形小坑，接著使用一塊巨石壓著沈重的鋼板。就像在阿波羅浴池中，朗誦波特萊爾的秋之歌：「不久，我們將沉入幽冷的陰黯中; 別矣，吾人那短促的盛夏之日！我已聽見，枯枝淒然落地的響聲，簌簌地，墜落在庭院中的鋪石之上。……」李禹煥在此自然空間中展示了一種單純的詩意，以此獻給創造這美麗宮殿的安德烈.勒諾特先生一同憶古話今。

雖然物派藝術吸取西方經驗與觀念，卻因著東方的老莊思想創就了物派的特殊之處。「道行之而成，物謂之而然。」在人類主觀的背後帶來的是二元或是多元的現象，實則‟物本身的態度 ”需無為而為。物派提倡的某部分理論採取了此觀點，是一種減少「人為」因素，反思與自我批判的態度。也因此觀者毋需給予作品單一的解釋，僅從園林的空間與作品設計來看，藝術家巧妙地在一個對稱嚴謹、均衡與細緻的構圖中創建一個樸實、不刻意造做的對比。而這種不經意感，卻因為作品介入園林的行為，強調了對草木、雕塑、噴泉等細節的關注與體驗。同時體現了藝術家的中心思想，一個「相遇」的過程 ; 在理性上建造一個自然相遇的感受度 ; 這種由對比所形成的’’特殊性’’反而打破了原本主體應有的細緻，藉由樸質物件的介入創建一層感性的關係。

多數評論或許會以禪意的觀點切入李禹煥，筆者認為藝術家在凡爾賽宮中展現了一種全面開放性的感受，甚至帶有開拓的冒險性。就像李禹煥在«尋求相遇»一文中寫道：「由於僅僅注重藝術存在的獨特的表象作用，將所有事物像化的理念的結果是，使現代空間達到了理念的飽和狀態。所有地方、事物不僅充滿了人類的氣息，而且在理念的作用下被物象化，幾乎喪失了其自身的外部性。能看見的只有‘像’，也就是人類自己的面孔。換句話說，人類所面對的只是人類自身而已。無論何處都是不存在‘他者’的，無法與新的景象‘相遇’的封闭世界。」今夏，李禹煥在凡爾賽宮，用一種減法的方式精彩地驗證了製作與原生狀態之間的關係。