【藝術也可以這麼簡單—週一古代藝術】No 2—«阿卡德皇帝»

接續上週週日古代藝術，今天還是鎖定在美索不達米亞區域。約西元前2334年左右，兩河流域的閃米特語族結束了遊牧生活，阿卡德君主薩爾貢一世的軍事征服使其在整個美索不達米亞地區建立了君主制的集權國家，結束了蘇美爾持續7個世紀的各自為政時代，建立了人類歷史上第一個帝國—阿卡德（Akkad）王國。

薩爾貢Sargon 的名字原意為「真正的王」，可能為一位篡位者（真正的王不用如是強調）。有趣的是，考古記載薩爾貢一世自述說：「我母親是一位大祭司，我不知道父親是誰。母親懷了我，偷偷將我生下。她把我放入用燈心草編織的籃子里，用瀝青封蓋，隨後把我拋入河中，但河水並未淹沒我。」這和聖經中的摩西背景有異曲同工之妙，引起史學家的關注。

此件雕塑收藏於伊拉克國立博物館，名為«阿卡德皇帝»，大多認定為薩爾貢一世的頭像。面部雕刻簡練、寫實，鬍鬚的設計造型威嚴莊重。整體表示古代的著同技術已相當純熟。作品彷彿帶有這位統戰蘇美的國王的強韌性格，也因此是我很想要看到的作品。

由於阿卡德帝國的恢宏事蹟，羅浮宮有整整一間類似的雕塑(卻沒有這麼帥氣的國王 :P )。整阿卡德的藝術是為權利服務的，也就是說在創作上的表現性不高，但是整體相當協調、統一地展現了中央軍事集權的帝國樣貌。

【藝術也可以這麼簡單—週六現代藝術】No1 —馬內的 «奧林比亞»

現代藝術可以說是我最喜歡的時代之一，寫到這裡光是要挑選首要介紹的作品就傷透了腦筋。十九世紀的法國是個「繽紛」的時代。藝術市場注入了新興的中產階級買家、民主的提倡，藝術上掀起了一股反對官方學院畫派的陳規迂腐的風潮。一般來說，我們將現代藝術濫觴定於「印象派」，又將馬內劃分於其中。實則不應如此定位。馬內頂多只能說是印象派的前導型人物，也就是說，馬內的重要性是在於他是藝術史上最後一位連結古典與現代風格的人物。

在當時，相同的高貴題材、一定的表現手法與規範、創新無用的學院派一直到1890年左右都還是有很大的影響。馬內在不斷嘗試參加官方沙龍被拒之後，另尋出入地開辦「落選展」，宣起了喧然大波。馬內雖然想獲得官方的肯定，卻也開始關注日常生活的理想，馬內融合了寫實主義和自然主義，描繪大都會的生活。

馬內擅用古典的題材來取笑傳統以及用現代性的精神來詮釋古代的題材。此幅«奧林比亞»（Olympia）靈感取自文藝復興時期的題香的«烏爾比諾的維納斯»（Vénus d’Urbino）。學院派那完美的維納斯的傳統樣貌完全被顛覆了，取而代之的是一位裸女明目張膽、毫無羞澀地看著觀者，黑人侍女送來了客人送的花，暗色調的房間背景，加上畫作的題明都在在象徵此位裸女實際為一名妓女（當時的賣淫風氣正盛行於巴黎）。我們可以想像此種「下流表現」為當時的社會帶來多大的震驚，還上了社會版新聞，而非藝文版新聞。

馬內用他擅長的限定色調，以黑白為主的平面色塊取代立體與光影，再加上迅速的後圖層一筆一筆建構的造型，深深影響了印象派的畫家。也因此，馬內時常被稱為印象派之父，現代主義之父等稱謂。

對我來說，在那個繁華浮誇的背景，馬內想要講述的或許是：「面對現實吧，這才是我們真正的社會，別在蒙蔽自己的雙眼了。」

【藝術也可以這麼簡單—週五十九世紀前期藝術】No1 —大衛的 «奧拉斯英雄宣誓 »

十八世紀末期，以法國為首的藝術家開始對於洛可可的輕窕放縱感到反感，再加上啟蒙運動的發展、十八世紀龐貝古城的挖掘掀起對古文物以及對希臘羅馬風格的愛好，知識分子開始產生對希臘羅馬時期的理性的美學要求。在此背景下，新古典主義（Neoclassicism）應映而生。新古典主義模仿的是希臘羅馬的「美」的形式，而非精神上的想像活動。也因此產生諸多特點：嚴謹的、均衡、穩定的靜態構圖，採取線條優於色彩的細膩畫風，題材更多使用英雄歷史故事題材，說教意味十足。

雖然我一向不這麼喜好說教意味的題材，但面對大衛（Jacques-Louis David）的畫作還是不可自拔。今天先介紹他的早期名作 «奧拉斯英雄宣誓 » (Le Serment des Horaces)。題材於奧拉斯三兄弟被選中代表羅馬挑戰庫亞斯兄弟的故事。畫作首先著重在左邊，父親把三把劍遞給三兄弟的宣誓之景 ; 右邊則以悲痛的女性群體表現（分別是母親、妹妹、未婚妻與孩子）。此幅作品被視為愛國主義的表現，在十八世紀末期之時，則有用來鼓勵人們為自由而戰的新涵義。

重視古典題材是該畫派重要的理念，然而真正吸引我的是大衛處理畫面的方式。首先在暗色調的建築背景，使用金色、紅色與黑色的明顯的對比，製造一種戲劇的緊張氣氛。而右邊細膩的線條和柔和的色調則帶出了女性的痛苦與脆弱。此幅畫作回到原本希臘羅馬與文藝復興的三角構圖，繼承了不同於洛可可畫風的卡拉瓦喬式的明暗對照法，大衛用他精湛的技巧為我們演繹了一個新的時代。

【藝術也可以這麼簡單—週四十七至十八世紀藝術】No1 —卡拉瓦喬的«聖母之死»

週三要講述的時代落在歐洲十七至十八世紀，這個時期的大風格主要可簡單分為：十七世紀的巴洛克風格與十八世紀的洛可可風格。從「巴洛克」（Baroque）開始講起，此字源自於西班牙語的「變形的珍珠」，有一個不規則、且俗麗的意思。起初對於崇尚古典藝術的統一和諧性的人們來說，巴洛克是帶有貶義的詞彙。然而事實上，巴洛克藝術家們雖然不使用單調的水平垂直構圖，改用扭曲多變的繁繞，追求強烈的律動感，但是他們仍舊在構圖上保持統一性，並非遺失畫面應有的協調。最大的特徵在於，一種在身體與情緒上對於「運動」的追求。再加上十六世紀末至十七世紀在科學上的開化，人民對於宗教的不信任，藝術上開始走向「世俗化」之路。那他們究竟如何創新呢？這就要從卡拉瓦喬（Michelangelo Merisi da Caravaggio）開始講起！


卡拉瓦喬是一個性格暴烈的庶民藝術家（後來因為殺人罪被迫離開羅馬），也因此他的畫作許多都在反應下層平民的一種生活型態。再加上其鮮明的個性，讓他的畫作跳脫常規俗套，自由發揮自我的特色與才華。今天要介紹的這幅《聖母之死》(La mort de la Vierge) 收藏於我心愛的羅浮宮中。一位富有的法官委託卡拉瓦喬為他的禮拜堂作畫，在1601年他完成畫作時，教堂卻拒絕收購此畫作。我們可以看到，構圖中心的聖母瑪麗亞，蓬首赤足，毫無光彩，像極了普通的村婦，這個真實的畫面，讓聖母失去的一直以來的神聖光輝，也因此惹怒教廷。



除了聖母頸上的皺紋、浮腫的雙腿等細節之外，我們再看其色彩與光線的運用。這裡可以明顯看到其獨創的「陰暗法」，他在明暗畫法中，加深的陰暗的部份，在用光線穿透題材重點。這種戲劇性可以帶出精神上的震撼。再加上他「不美化」的特徵，為卡拉瓦喬吸引了眾多的追隨著，一種現實主義的態度在十七世紀的義大利冉冉升起。



圖如其人，卡拉瓦喬從根本的反骨與叛逆使他成為一個重要的革新者。這也是我特別喜愛他的原因！ 希望大家也會喜歡 :)

【藝術也可以這麼簡單—週三文藝復興藝術】No1 —波提切利的 «維納斯與美惠女神贈禮給一年輕女子»

首先，有趣的問題起源在於大約在西元1400年前後，米蘭公爵征服幾乎整個義大利半島，佛羅倫斯卻始終捍衛他的獨立，並興起的一種對抗暴政的人文精神（怎麼覺得開始又有走向學運的話題的感覺……）。在這種為自由而戰的意識下，藝術與文化成為佛羅倫斯的精神特色的氛圍。再加上經濟層面的問題，佛羅倫斯毫無疑問的熱衷於藝術創作之中，開啟了文藝復興的地一道曙光。

在藝術風格上，講到文藝復興起源，契馬布耶、喬托都不會放過。然而今天我自私地跳過祖師爺輩的，直接進入我的大愛波提切利（Sandro Botticelli，1445—1510）！就這樣想像，在經歷過一千年、藝術文化上的….黑暗期，那種毫無空間感的、極度莊重的宗教畫終於在某個時刻大幅度的改變，有個人扭轉整個畫風，創造自己獨特的氛圍，那人即是波提切利（真是極度個人愛好）。

這幅藏在羅浮宮的«維納斯與美惠女神贈禮給一少女» （Vénus et les Grâces offrant des présents à une jeune fille, 1483），是羅浮宮重要館藏，也是少數波提切利現存的畫作之一（畫家晚期因迷信極端教派，而大量燒毀自己的作品）。蛋彩壁畫整體呈現一種優美至極的氛圍。女性的優雅的動作與步伐，柔和的色調，最後是以希臘神話取代基督教題材。如此協調地表現人體柔美的姿態，將畫作完美的提升到另一個層次。觀此作品時，甚至可以想像空氣的溫度，樹林輕颼的聲音。真是一幅難得完美的作品！